Entrega Nro 40 - Rosario siempre estuvo cerca

Degrade se creó en 1992 en Rosario y debutó ese mismo año en esa ciudad. Luego de presentarse en los escenarios más importantes de la ciudad y con varios cambios de sus integrantes desde su formación, en agosto de 1999 se graba "Ratitas", la primera producción de la banda.

La placa cuenta con doce temas propios y fue editada en forma totalmente independiente por el sello Grial Producciones.

A fines del '99 se edita el CD "Bandas en puerto". Este disco fue grabado en vivo con las seis bandas ganadoras de un concurso organizado por la Municipalidad de Rosario.

A fines del 2001 editaron "Agua", también en forma independiente. Este trabajo tuvo una intensa repercusión en la prensa local. La presentación oficial fue el 28 de septiembre de ese año, a sala llena en el Teatro Lavardén.

Enseguida, el objetivo fue difundir su música en Buenos Aires, para lo cual empezaron a desembarcar en diversos shows.

"Árida" es un EP que incluye dos adelantos del nuevo disco y dos temas de la banda de sonido de la película "El Cumple", más una reversión de "Canción diluible".

Grabado en los estudios Circo Beat, "La hora azul" se presentó en 2007.

El grupo tocó en los principales escenarios del país y finalmente plasmó su sólido momento con la grabación en vivo del show de cierre de gira en el año 2010, registrando su segundo disco en vivo, en este caso en formato digital, el cual estuvo disponible para descarga gratuita desde la web.

Degrade vuelve al ruedo, renovado desde su actual formación, con material fresco de nombre homónimo para el sexto disco, consta de 11 temas nuevos y fue grabado a fines del 2011, producido por FRANCO MASCOTTI y masterizado por DENIS BLACKHAMEN en isle of skye ESCOCIA (quien trabajó con bandas y solistas como The Who, Robert Plant, Yes, Jimi Hendrix, Rod Stewart, entre otros).

Los dos primeros discos fueron editados en forma totalmente independiente y tienen un sonido agresivo cercano a Radiohead fusionado con otros ritmos como la bozza nova, el chamamé, el folclore, flamenco, etc.

Los últimos trabajos, en cambio, son mas prolijos a nivel de sonido, con influencias, por ejemplo, de Gustavo Cerati.

Como dato interesante, este grupo es muy original al momento de hacer covers. Quizás los mejores ejemplos son las versiones de Los Dinosaurios de Charly García y ¿Por que llorax blaca niña? (canción sefardí del siglo XV) que incluyeron en su 2° disco. Han realizado también versiones de Led Zeppelin, Virus y Radiohead entre otras.

A continuación escucharemos algunos temas de este grupo Rosarino, que fue injustamente ignorado por la prensa y el publico de Buenos Aires y, en cierto modo, hasta de la mismísima Rosario.

Hiperchacarera (1999)

Canción Diluible (2001)

Espina (2001)

Reta (2001)

Gnomos (2008)

Flecha (2008)

COVERS

¿Por que llorax blanca niña? (2001)

Los Dinosaurios (2001)
 

Entrega Nro 39 - Desenterrando una leyenda

Pablo el Enterrador fue la sofisticada banda progresiva argentina que se transformó en una especie de secreto subterráneo. Tal véz fué el karma por llevar tan misterioso nombre, producto de sus escapadas a tomar mate al cementerio en Rosario para conocer a un tal Pablo, de profesión enterrador. 

La banda de culto por excelencia del rock rosarino se formó en 1972, al calor de la impronta progresiva y sinfónica que dominaba el rock mundial, con discos como Fragile (1972), Tarkus (1971) y Selling England by the pound (1973), de los grupos Yes, Emerson, Lake & Palmer y Genesis, respectivamente, y a la que agregaría un componente letrístico de corte social.

Jorge Antún, Carlos Brandolini, Juan Carlos Savia, Rubén Goldín y Lalo de los Santos integraron su formación original. Numerosos cambios en sus filas, largos períodos de silencio y sólo dos discos de estudio en quince años no impidieron que Pablo el Enterrador sea un grupo adorado por los cultores del género en Europa.

El grupo debutó en vivo en 1973, en un ciclo musical organizado por AMAdeR, una organización independiente de músicos de la ciudad. De aquellos años permanece el mito de la sala de ensayo del grupo, en el barrio de Echesortu, meca artística a la que peregrinaban los músicos de la ciudad para disfrutar de primera mano de la excelencia de Pablo el Enterrador.

José María Blanc (voz, bajo y guitarra) reemplazó a Lalo de los Santos, Omar López ingresó como segundo tecladista y Marcelo Sali, como baterista. En los estudios Edipo de Buenos Aires, los músicos grabaron a fines de 1982 el álbum Pablo el Enterrador, que RCA editó un año más tarde.

La placa, un verdadero triunfo del rock sinfónico, toca sus picos creativos en canciones como “Quién gira y quién sueña”, “Carrousel de la vieja idiotez” y “Accionista”, en las que el notable despliegue de los músicos se complementa con letras de corte testimonial que sin caer en el panfleto proponen una visión entre mística y simbólica de la realidad política de América latina. La suite “La herencia de Pablo” y el instrumental “Ilusión en siete octavos” están entre lo mejor que haya producido el rock sinfónico argentino y la causa hay que buscarla en la épica que tematiza la propuesta del grupo. Si exponentes del género como Crucis o Espíritu orientaban su búsqueda hacia la perfección instrumental, Pablo el Enterrador pensaba primero en las canciones, las melodías y el mensaje. En el grupo liderado por Antún, la excelencia instrumental del rock sinfónico no era el objetivo de la composición sino el vehículo expresivo de una idea.

La falta de apoyo de la compañía discográfica, sumada a la preferencia del grupo por ensayar meticulosamente antes que embarcarse en giras promocionales, conspiró contra el éxito de Pablo el Enterrador. Presentaciones esporádicas y largos períodos de inactividad sellaron la suerte del grupo, que recién volvió al disco a fines de los años 90, con Sentido de lucha (1998). En el álbum permanece el enfoque sinfónico-progresivo pero la novedad radica en el acercamiento a ritmos folclóricos, como en “Nariguetas” y “La ciudad eterna”.

A fines de 2005 murió Jorge Antún. La herencia del grupo, el álbum Trifónico, permanece inédito. En marzo de 2007, los miembros restantes del grupo ofrecieron un recital en homenaje al tecladista en el Anfiteatro Humberto de Nito.

He tenido la suerte de ver a estos tipos en vivo dos veces, y literalmente, te volaban la cabeza. Nunca entendí porque permanecieron siempre en el anonimato (incluso en Rosario mismo). Esta es una buena oportunidad para escucharlos con atención. Enjoy

Carrousell de la Vieja Idiotez (1983)

La Herencia de Pablo (1983)



Nariguetas (1998)



Accionista (1998)



Fotografias de Umbral (1998)

Entrega Nro 38 - Covers que no sabiamos que eran covers III

Tercera parte de la saga "Covers que no sabíamos que eran covers".

Behind Blue Eyes - The Who (1971)

Las nuevas generaciones conocen esta canción por la interpretación que en 2003 hizo la banda estadounidense de nu metal Limp Bizkit, y que fue incluida en la banda sonora de la pelicula Gothika.

Igualmente, este tema es un clásico de The Who, que fue lanzado como segundo sencillo del disco Who´s Next.

"Behind Blue Eyes" se canta desde el punto de vista del villano principal de Lifehouse (ópera rock de ciencia ficción hecha por The Who, que iba a ser la sucesora de Tommy y que se abandonó en favor de crear un disco de rock tradicional, que terminó siendo el aclamado Who's Next). La letra es un lamento en primera persona de Jumbo, que siempre está enojado y lleno de angustia a causa de toda la presión y la tentación que le rodea.

American Woman - Guess Who (1970)

"American Woman" es un sencillo del álbum 5 del cantante estadounidense Lenny Kravitz, lanzado el 29 de junio de 1999.

Originalmente es una canción de la banda de rock canadiense The Guess Who, lanzada por primera vez en enero de 1970, en el álbum homónimo y más tarde en marzo como sencillo, que alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100. 

La versión original de The Guess Who forma parte de la banda sonora de la película Austin Powers: The Spy who Shagged me. 

American Pie - Don McLean (1971)

"American Pie" es una canción folk rock escrita por el cantante y compositor estadounidense Don McLean, trata sobre "el día que murió la música". En el año 1971 fue grabada y lanzada en el álbum del mismo nombre. El sencillo se mantuvo en la primera posición en las listas de popularidad de Estados Unidos durante dos semanas en 1972.

La canción hace referencia a la historia del rock and roll, comenzando en el momento de la muerte de los músicos Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959 hasta el año 1970.

En el nuevo milenio, Madonna, hizo un cover de esta canción y la puso en los oidos de nuevos escuchas. La canción formó parte de la banda sonora de la película The Next Best Thing ("Algo casi perfecto"), protagonizada por ella misma, y se publicó como sencillo del mismo en febrero de 2000. 

Bonus Track

I will always love you - Dolly Parton (1973)

"I Will Always Love You", es una canción compuesta e interpretada por Dolly Parton. Parton escribió la canción en 1973 y la grabó por primera vez para su álbum Jolene, llegando a posicionarla en el primer puesto de los rankings de música country. 

Por años la composición quedó en el olvido fuera de Estados Unidos, hasta que cerca de dos décadas después Whitney Houston la interpretó para la banda sonora de la película "El guardaespaldas", convirtiéndola en un hit en todas las listas. Ya en esa ocasión Parton logró recolectar grandes sumas de dinero por su calidad de única autora de la canción, algo que se repite con el "boom" de ventas que se desató tras la muerte de Houston.

Entrega Nro 37 - Covers que no sabiamos que eran covers II

Esta semana escucharemos la segunda entrega de la saga "Covers que no sabíamos que eran covers", con 3 canciones y un bonus track. 

Influenza - Todd Rundgren (1982)

Charly García, recreó un tema de Todd Rundgren, "Influenza", reescribiendo su letra y adaptando su música para el disco Influencia, de 2002, en el tema del mismo nombre. Muy pocos daban por hecho que este tema era de García, y no saben quien es Todd Rundgren. Para ellos, vale decir, que este personaje es un cantante, compositor, guitarrista, multiinstrumentista y productor de grabación estadounidense. Formó parte de bandas de poco exito, como Money, Woodys Truck Stop, Nazz y Utopia, y a la vez tiene una abundante producción como solista con muchos altibajos.

Cocaine - J.J. Cale (1977)

"Cocaine" es una canción compuesta por J.J. Cale y editada en el album Troubadour de 1977.

Clapton versionó la canción "Cocaine" un año después de que la compusiera J.J. Cale en su disco Slowhand.

"Cocaine" es una canción que está en contra de las drogas, y no a favor, como mucha gente piensa. Eric Clapton dijo una vez que es inútil escribir intencionadamente una canción que vaya en contra de las drogas y esperar a que la gente capte el significado. Por ello es mejor que lleve a la reflexión. 

Red Red Wine - Neil Diamond (1968)

"Red Red Wine" es una canción escrita y grabada originalmente por el artista estadounidense Neil Diamond. Ha sido versionada por artistas como Tony Tribe, Jimmy James & the Vagabonds, pero la mas famosa versión fue realizada el grupo de reggae británica UB40, cuya versión encabezó las listas de sencillos de Estados Unidos y del Reino Unido en 1984.

Bonus Track

Mah Nà Mah Nà - Piero Umiliani (1968)

"Mah Nà Mah Nà" es una canción popular compuesta por el italiano Piero Umiliani. Ha sido un éxito en diversos países del mundo, incluyendo Estados Unidos en 1968-1969.

Debutó como parte de una banda sonora de Umiliani para el filme softcore "Svezia, Inferno e Paradiso" (Suecia, infierno y paraíso) (1968), un pseudo documental acerca de la actividad sexual salvaje y otros comportamientos en Suecia (Mahna mahna acompañó a la escena filmada en el sauna). El disco con la banda sonora de la película fue lanzado en 1968 bajo el mismo nombre.

La canción se volvió familiar para muchos a raíz de la interpretación que Los Muppets hicieron en su conocido show, transmitido por televisión nacional el 19 de noviembre de 1969. 

Entrega Nro 36 - La Vanguardia es así - La Máquina de Hacer Pájaros

La palabra experimento sugiere poner en práctica ideas o conceptos que no hayan sido utilizados en el pasado de la misma manera que se los está intentando usar, y un final incierto. Sin embargo, muchas veces la creatividad y la intrepidez se dan la mano para que, si todas las partes se combinan misteriosa y armoniosamente, el resultado sea un destello novedoso de genialidad. La música, una vez más, es el escenario perfecto para demostrarlo.

Después de llenar el Luna Park dos veces en una noche con Adiós Sui Generis a fines de 1975, Charly García comenzaba el nuevo año en busca de otro proyecto musical. Junto al ex baterista de Los Gatos y Color Humano, Oscar Moro, y el bajista de lo que después se llamaría Crucis, José Luis Fernández, se embarcaron en este proyecto de rock progresivo. Se unieron al trío, tiempo más tarde, Gustavo Bazterrica (luego guirarrista de la segunda formación de los Abuelos de la Nada) en guitarra y Carlos Cutaia, ex Pescado Rabioso, a cargo del otro piano-teclado constituyendo así la formación definitiva de un grupo dispuesto a profundizar en una forma de hacer música poco habitual entonces en el extremo sur de América.

Originalmente llamada "García y la máquina de hacer pájaros" - inspirados en una historieta que en aquellos días se publicaba semanalmente con el mismo nombre -, la experiencia cuenta con sólo dos discos de estudio (el primero, homónimo, el segundo llamado Películas).

La naturaleza de la banda fue experimental desde su concepción y reafirmada con su estilo que, en líneas generales, se mece entre lo sinfónico y los rastros de folk que recuerdan al anterior grupo de García (Sui Generis). Melodías armónicas, guitarras acústicas y atmósferas apacibles, cambios y cortes en la rítmica, el comienzo de esa crítica social vestida de poesía que Charly llevaría a su mayor expresión en Serú Girán, solos de guitarras eléctricas que estallan, contrapuntos entre los dos teclados del grupo, arreglos totalmente originales para la época y sintetizadores análogos que se cuelan oportunamente, son algunas de las características que hacen de La Máquina de Hacer Pájaros, un interesante experimento de composición y virtuosismo de ejecución en el rock argentino de mediados de los '70.

En las tratativas para las composiciones del tercer disco, tensiones en el grupo y discusiones acerca de la dinámica que regiría su futuro, desembocaron en su disolución. García viaja entonces a Brasil para comenzar a componer junto a un guitarrista y cantante que había participado, entre otras bandas, de Color Humano y Pescado Rabioso, David Lebon. Pero esa es una historia para otra entrega.

No es para que rompan nada, claro. Pero pueden recostarse en la silla, tomar un trago de lo que tengan a mano y, si gustan, acompañar a La Máquina en un vuelo más.

Por probar y vino y el agua salada (1976)



Como mata el viento norte (1976)



Hipercandombe (1977)



No te dejes desanimar (1977)



Que se puede hacer, salvo ver películas (1977)