Edición Especial - Guitarra vas a llorar

Paco de Lucía (1947 - 2014)

Entrega Nro 31 - Música en Serie

En este caso escucharemos música de series. El porque de las tres elecciones fué muy simple, tanto la música como las series son excelentes y esa combinación no es muy común.

Artista: Badfinger 

Tema: Baby Blue
Año: 1972
Serie: Breaking Bad

Las series, es lo que tienen: que cuando triunfan, triunfan. Y todo lo relacionado con ellas, también. Y para muestra, 'Lost': muñecos, camisetas, rutas guiadas por Hawai (donde se grabó)... y así, la suma sigue. Todo lo que se te pueda pasar por la cabeza, y más.

El momento de gloria ahora es para 'Breaking Bad', considerada por los espectadores la mejor serie de la televisión (una media de 5,2 millones de personas siguieron en directo la segunda parte de la quinta y última temporada). La creación de Vince Gilligan finalizó por todo lo alto, con unas cifras históricas para la ficción y alzándose con el Emmy a mejor serie dramática. Sony Tv, la productora, la ha vendido en más de 170 territorios de todo el mundo.

Así las cosas, no resulta extraño que 'Breaking Bad' salve del olvido una canción de 1972. Se trata de 'Baby Blue', del grupo Badfinger. Un tema que incluye frases acordes a la historia del serial. A saber: "Supongo que tengo lo que merecía; no sabía que podrías pensar que me iba a olvidar o a arrepentir, este amor especial que tenía para ti, mi chica triste/azul" (azul que los seguidores de la serie identifican con la metanfetamina que fabrica Walter White, el protagonista de la serie). 

Esta canción se escuchó de fondo en la última escena de la serie y según afirman desde Spotify, la canción incrementó su número de reproducciones totales en el servicio de música on line en un 9.000% durante las primeras 11 horas tras la emisión del capítulo. Y solo en EE.UU., vendió 5.000 descargas durante la madrugada del domingo al lunes. Y eso que el tema ya había sonado en 'Infiltrados', de Martin Scorsese.

Artista: David Bowie 

Tema: Life on Mars?

Año: 1971

Serie: Life on Mars

Life on Mars es una serie inglesa de la BBC, que es la mejor serie que he visto hasta ahora seguida de cerca por Six Feet Under.

El argumento es simple: Sam Tyler (John Simm), un policía de Manchester, es atropellado mientras escucha la canción “Life on Mars?” de David Bowie (he ahí la primera explicación al nombre de la serie) y, cuando logra salir de su estado de inconsciencia, se encuentra con que no está en un hospital, sino en el mismo lugar donde ocurrió el accidente. Pero no todo es lo mismo, porque ahora se encuentra en 1973 y rodeado de policías que no se parecen en lo más mínimo a él, alguien eficaz acostumbrado a hacer cumplir las leyes y a resolver crímenes mediante pericias científicas y psicológicas. Y ahí está la segunda explicación al nombre de la serie: Sam se siente como si estuviera viviendo en otro planeta.

Life on Mars no es un policial más. Sí, cada capítulo presenta un crimen distinto que Sam y sus nuevos compañeros deben resolver, pero el gancho de la serie también pasa por averiguar junto con él por qué estando en coma en el año 2006 a causa del accidente fue a parar a los ’70, donde no deja de recibir diversas señales todo el tiempo acerca de su evolución en el futuro. Además, también es muy entretenido descubrir junto a él el mundillo de la policía de Manchester de esa década: borrachos, corruptos, violentos y machistas

Si bien este tema de Bowie ya era muy conocido antes de esta serie, no deja de ser una canción imponente y es una buena escusa para volver a escucharla.

Artista: Jace Everett

Tema: Bad Things

Año: 2005

Serie: True Blood

Series de vampiros hay muchas, pero esta el la mejor por lejos. True Blood , es una serie de televisión original de HBO, basada en la saga: The Southern Vampire Mysteries de Charlaine Harris. Su argumento se centra en un conservador pueblo de Luisiana llamado Bon Temps, y en cómo su gente debe adaptarse y enfrentarse a los cambios que se han producido en la sociedad desde que los vampiros salieron a la luz pública y en especial en cómo las criaturas de la noche y su mundo afectan a la vida de una camarera con poderes "telepáticos" llamada Sookie Stackhouse.

Si bien esta serie no está a la altura de las anteriores, la música de presentación es muy buena y después de ver un capitulo no se olvida fácilmente.

El responsable de Bad Things (la canción en cuestión) es Jace Everett, un cantante de country estadounidense nacido en 1972. Contratado por Epic Récords en 2005, lanzó su sencillo de debut, "That's the Kind of Love I'm In", ese mismo año, el cual alcanzó el puesto #51 en las listas Hot Country Songs de Billboard, y fue el primer sencillo de su álbum debut, pero su notoriedad tomó vuelo al incluirse Bad Things en la serie.

Entrega Nro 30 - La tristeza como forma de vida

"La fama es como un árbol frutal, así de inestable. No puede florecer hasta que su tronco está en el suelo". Como si supiera de antemano lo que iba a sucederle, Nick Drake susurraba tan premonitoria frase en Fruit Tree, uno de los temas de su debut, Five Leaves Left (1969). Cinco años y tres discos después, fallecía de una sobredosis de antidepresivos. Si se trató de un accidente o un suicidio sigue siendo una incógnita. 

Nadie, salvo su familia y amigos cercanos, lloró la muerte de Nicholas Rodney Drake el 25 de noviembre de 1974. No hubo obituarios en los periódicos. No se le dedicó ningún espacio en las televisiones de su país. Ni siquiera se produjo revuelo alguno entre sus fans. Apenas los había.

Tuvieron que pasar 30 años para que una firma de automóviles rescatase una de sus canciones, Pink Moon, para un anuncio en EE UU. 

La publicidad obró la magia: en pocas semanas, los discos de Nick Drake vendieron más copias que en todos los años anteriores desde su muerte. 

El salto a la popularidad de Drake fue la culminación de un proceso que comenzó a mediados de los 80. Tras su desaparición, su aura de músico maldito fue creciendo poco a poco, llevando su nombre a revistas tan influyentes como NME hasta convertirle en  una reconocida figura del underground y un referente para jóvenes bohemios. 

Una voz frágil, una personalidad reservada, una sensibilidad fuera de lo común... Nick Drake era un tipo normal y, al mismo tiempo, alguien completamente atípico. 

Nacido en Rangún, Birmania, donde su padre había sido destinado, a Drake nunca le faltó nada. La suya no es una historia de infancia difícil ni problemas económicos. Nick estudió en buenos colegios y dedicó su adolescencia a lo mismo que muchos chicos de su edad: el deporte. Además tocaba la guitarra, el piano, el saxo y el clarinete. 

Con el tiempo, su interés por el deporte decayó en favor de la música. Encerrado en su habitación de la Universidad de Cambridge, pasaba días enteros fumando cannabis y tocando la guitarra.

Muy influenciado por músicos como Bob Dylan, su habilidad con las seis cuerdas estaba fuera de lo común. Tanto, que impresionó a Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention, quien al verle actuar en directo no dudó en presentarle a Joe Boyd, productor de renombre que se convertiría en su mentor. 

Five Leaves Left es un disco, como todos los de Drake, impregnado de una profunda melancolía. Con sólo 21 años, Nick abría su corazón de par en par para recitar dudas y confesiones. Belleza descarnada, cruda y cercana en forma de susurrantes canciones en las que también cabía la esperanza. Una imperecedera obra de arte. 

El debut de Drake, como toda su discografía, fue un fracaso comercial. Además, se negaba a conceder entrevistas y apenas daba conciertos, lo que no ayudaba a su promoción. Él sólo quería componer y grabar. 

Bryter Layter (1970) fue el disco más ambicioso y complejo de Nick Drake. Incluso John Cale, de The Velvet Underground, colaboró en él. Pero el resultado no fue satisfactorio: el sonido final no gustó a Drake, y revistas como Melody Maker lo despedazaron tildándolo de "torpe mezcla de folk y cocktail jazz". Poco después, Drake caía en una profunda depresión que, en última instancia, lo llevaría a la muerte. 

Pero Nick aún tenía cosas que decir. En octubre de 1971 se reunió fugazmente con Boyd para grabar, en cuatro horas escasas y acompañado sólo de su guitarra, su álbum más oscuro y estremecedor, Pink Moon (1972). Fue su adiós en forma de canciones. Tres años después, su madre lo hallaba muerto en su cama. En la mesilla había un libro de poemas. En el plato giraba un disco de Johann Sebastian Bach.

Considerado actualmente como un artista de culto, Drake ha servido de inspiración a numerosos músicos, como Blur, Robert Smith (líder de The Cure), Peter Buck (guitarrista de R.E.M.), Paul Weller y Elton John. En el plano local, artistas de la talla de Pedro Aznar y Richard Coleman han versionado sus canciones.

Sin mas, escucharemos dos de sus mas grandes canciones.

Pink Moon (1972)

Es la canción inaugural, del disco homónimo "Pink Moon", en la que como único adorno aparece un piano, tocado también por Drake, que se limita a resaltar la melodía del modo más simple, como llamando discretamente la atención sobre ella.

Este tema fue usado en un anuncio de la marca automovilística Volkswagen en EE.UU. en el 2000.

 

Esta es la excelente versión de Richard Coleman 

Time of no Reply (1968 - 1986)

Time of no Reply es una canción que apareció en un álbum póstumo de Drake, en el año 1986, que se lleva el mismo titulo que la canción.

Originalmente es un outtake de las sesiones de su primer disco (Five Leaves Left) que datan de Noviembre y Diciembre de 1968.

Acá va la versión en castellano, de Pedro Aznar

Entrega Nro 29 - El futuro llegó hace rato

“One, two, three, four, one, two…”. Que te avisen que algo está por empezar no asegura que uno esté preparado para lo que viene. Y ese conteo de George Harrison para darle el puntapié inicial a REVOLVER, (uno de los discos mas revolucionarios e innovadores de la historia de la música contemporánea, editado el 5 de Agosto de 1966), es una muestra de ello.

Ya en Junio de ese año (2 meses antes) sale el single adelanto compuesto por los temas Paperback Writer de Mccartney y Rain de Lennon  (canciones que no iban a aparecer en el álbum), que daba un indicio de que algo distinto estaba por venir.

Se podría decir que “Revolver” es el paso definitivo a una banda de rock exitosa a la transformación de música en arte, jugando ya no solo con los nervios que se conmueven con una buena melodía, sino atacando directo a la cabeza.

Rubber Soul, el LP anterior, indicaba un cambio. Revolver será la profundización de ese cambio. La maduración. Cuatro talentos floreciendo, elevándose hacia territorios inexplorados hasta ese entonces. Un paseo que tiene baladas, soul, rock, pop, música hindú, música clásica, música infantil y más.

‘Taxman’ es una feroz critica al sistema impositivo inglés, y nos evidencia el crecimiento individual de George Harrison como compositor. El bajo de este tema ha sido imitado cientos de veces, y el solo de guitarra, tremendamente sucio y rocanrolero, corre por cuenta de un inspirado McCartney. 

'Eleanor Rigby' de Paul es una amarga historia de soledad, a la que cuesta ponerle atención por el shock que provoca la instrumentación de la canción, que no suena ni pomposa ni excesiva. Por el contrario, suena desgarradoramente desnuda, y a la vez trágica y las cuerdas le aportan una teatralidad que pocas canciones de The Beatles poseen.

‘I’m Only Sleeping’ es mucho menos simple de lo que parece. La voz de Lennon suena como un caset que has grabado por vigésima vez, la acústica es mucho más metálica que antaño, y la eléctrica invertida que llena los espacios vacíos no puede estar más acertada. Curioso el efecto de que a nadie se le ocurriría “complicar” tanto una canción que a primera vista parece simple.

‘Love You To’, de Harrison, guiada por la cítara de George, tiene una melodía maravillosa y un aire celestial indescriptible. Y para ratificar que no estaban desconectados de lo que sería conocido pronto como hippismo, la letra “make love all day long, make love singing songs” no puede pasar desapercibida. Música de los dioses, como era lo que quería George. Lo logró.

‘Here, There and Everywhere’, es una de las mejores canciones de amor de Paul, con una onda muy retro, (probablemente un homenaje a los Beach Boys), pero llena de armonías y delicadeza.

La pista más ligera de este álbum fue la infantil 'Yellow Submarine'. McCartney aseguró que la compuso como una canción infantil para que la cantara Ringo. 

Cerrando la cara A del disco estaba una de las tantas joyas de este álbum, 'She said, she said' de Lennon. La frase inicial “she said ‘I Know what it’s like to be dead’” le aporta un toque mucho más chiflado aún a los sonidos distorsionadísimos, tanto de la notable guitarra de Harrison como del canto de Lennon, que si se suman al rejunte de unos trozos de melodías separadas que tenía John y que fueron unidas y la imprevisible batería de Ringo, tenemos como resultado final un descalabro absoluto convertido en una canción inolvidable. Es como armar un puzzle de miles de piezas. Salvo que en vez de armar la imagen que viene en la caja del puzzle mismo, The Beatles armó otra cosa, mucho más impresionante y artística que el resultado que supuestamente tenían que lograr.

Soda Stereo en 1996 hizo su homenaje a esta canción incluyendo parte de su melodía inicial en el tema Superstar.

El lado B abre con 'God day Sunshine' de Paul, es uno de los puntos mas bajos del disco, una canción simple del cual su autor siempre estuvo orgulloso. McCartney dijo que fue influenciado por The Lovin Spoonful para escribirla.

'And you Bird Can Sing' de Lennon es una canción de la cual su autor siempre renegó. A pesar de ello, su riff a 2 guitarras está dentro de los 70 mejores solos de guitarra del rock, según la revista Rolling Stones. Al igual que en "Rain", "And Your Bird Can Sing" hace alusión a las drogas psicodelicas como el LSD que eran consumidas entre los miembros de The Beatles en secreto. También es probable que las letras oblicuas sean un intento de escribir algo parecido a los juegos de palabras de Bob Dylan, cuyas canciones Lennon admiraba mucho.

‘For No One’ es, bajo cualquier punto de vista una de las mejores canciones de Paul. La simplicidad del acompañamiento, con simplemente un piano, un clavicordio y la batería se complementa de una manera extremadamente bella con el solo barroco de trompa inglesa de mitad de la canción. El clímax se consigue juntando este instrumento con la increíble voz de Paul en la última estrofa.

'Doctor Robert', de Lennon es un rock sobre un médico que recetaba de manera desenfadada anfetaminas y toda clase de píldoras a sus amigos y pacientes. John era uno de ellos y decidió escribirle esta canción.

'I Want To Tell You' es una canción de Rock melódica que cuenta como líder vocal a Harrison, apoyado fuertemente por Lennon y McCartney en los coros, en una forma similar a otra canción de Harrison, "If I Needed Someone". Es en gran parte impulsada por el bajo y el persistente, casi hipnótico, sonido del piano. Una parte de la guitarra distintiva abre y cierra la canción y se repite entre los versos. En "I Want To Tell You", el bajo que tocó Paul fue sobrecopiado por separado lo que permitió un tratamiento específico en lugar de ser despreciable en la pista de ritmo. Esto sería más común durante los años que siguieron.

'Got To Get You Into My Life' de McCartney, fue un tributo a la música soul de Memphis, que utiliza extensivamente una instrumentación de vientos; aunque tiene el formato de una canción de amor, McCartney ha revelado que la canción fue una oda al acto de fumar marihuana.

La encargada de poner punto final al disco es ‘Tomorrow Never Knows’ de Lennon, una canción simplemente demente. La leyenda dice que John quería que su voz sonara como el Dalai Lama cantando desde la cima del Tíbet y que de fondo se escucharan a cientos de monjes cantar. George Martin, el otro genio involucrado en el proceso, fue capaz de lograr solo lo primero. Propuso pasar la voz por un órgano Hammond, y de ahí fue cosa de jugar con velocidades y traspasos de cinta. El resto de los efectos requerirían un buen par de párrafos para explicarlos, pero entre las “gaviotas” que aparecen, las guitarras al revés, y otra batería fenomenal del siempre vapuleado Ringo Starr hacen de esta canción una gema del rock psicodélico. 

La letra de John es bastante existencialista, y toda esta locura llena de LSD y sonidos que uno no sabe si son reales o forman parte de nuestra imaginación desencajan la mandíbula.

Un mantra sónico que anuncia que esa banda acaba de dar el salto hacia adelante frente a tus ojos. Que lo que estas escuchando, es el futuro. Que ya nada será igual en la historia de la música. 

Entrega Nro 28 - Canciones con pocos acordes

La idea original de esta entrega se lo debo al amigo Gargoland, y que tiró como ejemplo el primer tema a escuchar en esta entrega.

No hay mucho que agregar si leemos el titulo. Sólo decir que son canciones brillantes y a la ves muy sencillas en cuanto a su estructura.

Mother - Pink Floyd (1979)

"Mother" es una canción la banda de rock progresivo Pink Floyd. Fue publicada en su álbum The Wall editado el año 1979 y la letra y musica pertenecen a Roger Waters.

Una de las partes mas llamativas del tema es ese cambio de ritmo, donde pasa de una melodía bastante tranquila a una más fuerte y roquera, expandiendo su instrumentación de un solo de guitarra acústica y voz (cerca del final de la canción) a un potente sonido de teclados, piano y batería mas ese increíble sonido de bajo eléctrico, armonía vocal, y guitarra eléctrica.

Con respecto a la letra, podemos decir que es bastante melancólica, y como todas las canciones del disco The Wall, "Mother" forma parte de la historia historia de Pink, el protagonista del álbum. La canción narra una conversación de Pink (expresada por Waters) y su madre (manifestadas por Gilmour). El oyente puede darse cuneta que la madre está ayudando a construir el muro que deja muy mal a Pink por intentar proteger a su hijo del mundo exterior. Es una critica a las madres sobre protectoras que por creer que están haciendo un bien no se dan cuenta que le quitan la libertad a sus hijos y les provocan daños en la personalidad y en el aspecto emocional.

Para aquellos que no saben sobre este disco de Pink Floyd, podemos señalar que este es un disco doble con un estilo de ópera rock que nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada "Pink", basado en su mayoría de las vivencias del propio Waters y partes de la vida de Syd Barret (primer líder de Floyd que dejo la banda por problemas mentales).

Según palabras de Roger Waters, Pink es enfermo mental debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobre protección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controversial uso de drogas, sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aísla de la realidad, y ese muro del que se habla es un concepto construido con el fin de protegerse del mundo real y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía auto-destructiva.

Para la película, la canción fue regrabada por completo con la excepción del solo de guitarra de David Gilmour. La letra fue reescrita por Roger y cambiaron a un estilo más narrativo orientada a trabajar como música de películas. Es interesante observar que en este versión, la progresión de la guitarra en el segundo verso es el mismo de la canción de Waters "5:11 AM (The Moment of Clarity)" de su álbum debut en solitario "The Pros and Cons of Hitch Hiking".

Redemption Song - Bob Marley (1980)

"Redemption Song" es una canción del álbum Uprising, el último lanzado por Bob Marley & the Wailers antes de la muerte de Marley. Para cuando compuso el tema, en 1979, a Marley ya se le había diagnosticado cáncer y, según las propias palabras de su esposa Rita, se encontraba en un profundo estado de depresión y tristeza.

A diferencia de la mayor parte de los temas de Bob Marley, "Redemption Song" es una grabación acústica en solitario con estilo folclórico donde Bob toca la guitarra y canta sin ningún acompañamiento instrumental extra. En el mismo disco Uprising, se puede encontrar esta canción instrumentalizada tocada por The Wailers y cantada por Bob.

Al igual que muchos de los temas del cantautor, "Redemption Song" expresa ideales del movimiento rastafari y promueve la liberación de la gente de sus propias imposiciones mentales.

En 2004, la revista Rolling Stone la ubicó #66 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

El tema ha sido versionado por muchos músicos, entre los cuales destacan Johnny Cash, U2, Stevie Wonder, Pearl Jam, Sinéad O'Connor, Dave Matthews Band, Attaque 77, Sumo, Annie Lennox, y Ziggy Marley

Sunday Morning - The Velver Underground (1967)

Este tema abre el álbum debut del grupo, The Velvet Underground & Nico. También fue lanzado como single en 1966 con "Femme Fatale " en la cara A.

La canción fué escrita por Lou Reed y John Cale en una mañana de domingo y fue pensada para que la cante la mujer del grupo (Nico, novia de Andy Warhol), pero a la hora de grabarla, afortunadamente, Reed se hizo cargo de la voz principal y Nico de los coros.

Con el objetivo de crear un éxito para el álbum, "Sunday Morning" cuenta con la producción notablemente más exuberante y profesional que el resto de las canciones del álbum. El uso de la celesta fué idea de Cale, quien encontró el instrumento en el estudio y decidió utilizarlo para la canción.