En estas fechas, que marcan el fin y el comienzo (en este caso de un año), escucharemos dos canciones que tienen que ver con esta idea. Sin mas preámbulos, vamos a los bifes. The Doors - The End (1967) The End es una canción compuesta por Jim Morrison, que básicamente habla de la muerte. Es una composición extraordinaria para su época, escrita en 1966, y cabe decir que en un principio solo se trataba de una canción que hablaba de un amor moribundo, un tema tranquilo, que incluía una guitarra tocada como citara hindú (Robbie Krieger), la canción contenía pasajes iban cambiando conforme se interpretaba cada noche en el “Whisky a Go Go”, ya que Jim los iría improvisando con ideas que salían de su cabeza. Poco después la letra se fue concretando en el libro de Frederick Nietzshe “El Nacimiento de la Tragedia”. Jim fascinado por la leyenda de Edipo Rey, quien engaño a la esfinge, mato a su padre (sin saber que era él) y se caso con la esposa de este y al final descubrió que era su madre. Morrison adopto esta historia pero le cambio el nombre por el de Asesino (Killer) quien una noche entra a la habitación de sus padres para decirles:¡Padre… quiero matarte; madre quiero cogerte!.La primera ves que interpreto la canción tal cual la conocemos fue en el mencionado Whisky a Go Go.. por lo cual el dueño del lugar los corrió, acusándolos de dementes.. esa misma noche esta el productor de presidente de Discos Elektra, Jac Holzman, quien enseguida los firmó y los llevo al estudio de grabación. Para grabar la canción fue otro problema, ya que Jim llegaba ahogado en ácido y alcohol… y lo único que hacia era repetir esa parte de la canción… "mata al padre, coge a la madre"… "mata al padre, coge a la madre", hasta que después de días Jim llego sobrio y de buen humor, adopto su actitud shamanistica y entro en una especia de trance, al fin se pudo grabar la canción. "The End" fue grabada en vivo en el estudio, sin doblaje . Sólo se hicieron dos tomas y la segunda fué la que finalmente quedó registrada en el primer disco de la banda. En 1969 , Morrison dijo : "Cada vez que escucho esa canción, significa algo más para mí. Comenzó como una canción de despedida simple .... Creo que es lo suficientemente compleja y universal en sus imágenes que podría ser casi cualquier cosa que quieras que sea". Entrevistado por Lizze James , destacó el significado del versículo : "Mi único amigo, el fin". "A veces el dolor es demasiado para examinar , o incluso tolerar .... Eso no significa que sea malo o necesariamente peligroso . Pero la gente teme a la muerte , incluso más que el dolor. Es extraño que temen la muerte. La vida duele mucho más que la muerte . En el punto de la muerte , el dolor ha terminado. Sí. - Supongo que es un amigo "
Paul McCartney - New (2013)
"New" es una canción dePaul McCartney publicada en su último álbum de estudio de 2013, New. La canción, que contó con la producción de Mark Ronson, fue publicada el 28 de agosto como primer sencillo del álbum.
La prensa musical recibió la canción con reseñas positivas. La revista musical Rolling Stone la definió como: "Una confección pop con una deliciosa y retromoderna producción", "New" cabalga sobre una melodía de clavecín con sabor animoso y un toque de cuerdas que recuerdan a "Got to Get You into My Life".The Guardian también destacó el sonido del clavicordio y comentó: «Es McCartney con sus dos pulgares hacia arriba, cantando dulcemente sobre cómo su mujer "llegó y convirtió su vida en una canción". Por otra parte, Telegraph definió la canción como "una pisada alegre y beatlesca cubierta con ondulantes armonías de los Beach Boys". Personalmente, veo a esta canción como una típica melodía McCarneana, que podría estar tranquilamente entre los aportes de Paul a Magical Mistery Tour.
En esta entrega tenía pensado, en un principio, poner canciones de navidad, pero como en su mayoría son una porquería (salvo alguna excepciones como Happy Xmas (War is Over) de Lennon o Noche de Paz de Sumo), me decidí a cambiarlo.
La temática de hoy va a ser Dios, pero no con canciones de alabanza o religiosas, sino con dos canciones que llevan su nombre y no están relacionadas solo por el nombre, sino que una toma la idea de la primera y la completa.
John Lennon - God - 1970
"God" es una canción del primer álbum de estudio como solista de John Lennon.
La canción fue objeto de polémica después de su lanzamiento, por tratar sobre temas religiosos.
La introducción de la canción describe a Dios como "un concepto por cual medimos nuestro dolor" (simplemente maravillosa).
En la segunda parte de la canción, Lennon dice en forma de lista no creer en sus ídolos (incluidos The Beatles) y algunas ideologías, diciendo finalmente creer únicamente en él (Individualidad) y Yoko (el Amor). Las personas e ideologías que Lennon menciona en la canción son: la magia, el I Ching, la Biblia, el tarot, Hitler, Jesús, Kennedy, Buda, el mantra, el Gita, el yoga, los reyes, Elvis, Zimmerman (Bob Dylan) y The Beatles.
La sección final de la canción describe el cambio de Lennon desde la ruptura de The Beatles. Afirma que ya no es el "Dreamweaver" (en es:"Tejedor de sueños") o "The Walrus" (en es:"La Morsa"), que solo es John. La última línea de la canción, "The dream is over" (en es:"El sueño ha terminado"), representa la postura de Lennon sobre el mito de que "The Beatles eran Dios" había llegado a su fin. "Si hay un Dios", explicó Lennon, "todos somos él."
"God Part II" es el decimocuarto track de Rattle and Hum. Fue escrito como una especie de secuela al tema God de John Lennon, que tiene el mismo tipo de estructura lírica. Contiene también un ataque contra el biógrafo no autorizado de Lennon, Albert Goldman, parafraseando otro tema de Lennon,"Instant Karma!":
I don't believe in Goldman
His type like a curse
Instant Karma's gonna get him
If I don't get him first
La canción es una salida del sonido de rock folclórico básico de las demás canciones del disco y es una introducción al sonido más oscuro que la banda adoptaría tras el lanzamiento de su próximo álbum, Achtung Baby.
De yapa, una canción navideña, pero esta es una curiosidad.
The Beatles - Christmas Time (Is Here Again) - 1967
Christmas Time (Is Here Again) (Lennon/McCartney/Harrison/Starr) es una canción de Navidad grabada por The Beatles en 1967 y lanzada a los miembros del club de fans que estaban dispuestos a pedir la grabación a través de correo.
La canción fue lanzada oficialmente en 1995, en el sencillo "Free as a Bird", en la que fue editada de la original de 6:17 a una versión abreviada de 3:03. La canción abre con una ligera melodía y cierra con un saludo de Navidad de los cuatro Beatles. Al final, la canción Auld Lang Syne es tocada en el órgano, mientras Lennon dice uno de sus poemas sin sentido.
Ringo Starr grabó su propio cover de "Christmas Time Is Here Again" en su álbum de 1999 de Navidad, I Wanna Be Santa Claus. En 2000, R.E.M. lanzó un cover de una canción navideña de su club de fans.
En contrapartida con la entrega anterior, escucharemos a amigos que nunca hicieron alaraca ni coparon las primeras planas para anunciar ni su amistad, ni sus colaboraciones entre sí.
El resultado es tan interesante (o mas), que los casos anteriores.
Eric Clapton y Paul McCartney - All of me
Incluida en Old Shock, el disco de 2013 de Eric Clapton, All of Me es una canción popular y un estándar de jazz escrito por Gerald Marks y Seymour Simons en 1931. Grabado por primera vez por Belle Baker, se ha convertido en una de las canciones más grabadas de mundo del jazz, con versiones de músicos tan notables como Billie Holiday, Frank Sinatra, Django Reinhardt and Willie Nelson.
Paul McCartney y Eric Clapton vuelven a grabar juntos luego de que este último participara en el disco Kisses of the Bottom, el disco de Sir Paul de 2012.
"Arnold Layne" fue el primer sencillo de Pink Floyd, lanzado en 1967. La canción fue compuesta por Syd Barrett, y aunque la pieza no aparece en el primer álbum del grupo es considerada como uno de los mejores trabajos de los primeros años de la banda. Esta versión en vivo, pertenece a la gira del disco On a Island de Gilmour y fue realizada el 29 de Mayo de 2006 en el Royal Albert Hall, actuación que quedó registrada en el DVD también Blu-Ray) "Remember That Night".
En esta ocasión escucharemos (y veremos) reuniones y/o colaboraciones entre músicos que otrora llenaron paginas de diarios y revistas con insultos de uno hacia otro.
Los años pasan, las diferencias han quedado atrás y este es el repaso de alguna de las reuniones menos pensadas y mas esperadas.
Roger Waters y David Gilmour en 2011
Nadie lo esperaba, ni siquiera existía el rumor. De ahí la sorpresa. Sin embargo, en 2011 en el marco de la gira de The Wall, en Londres se dio el reencuentro de Roger Waters, David Gilmour y Nick Mason para un par de temas: Comfortably Numb y en el final Outside The Wall.
Las pocas palabras que pronunció Roger Waters deben haber puesto la piel de gallina a cada uno de los asistentes al show de The Wall en el O2 Arena londinenese. “Hace 30 años, cuando Dave (Gilmour), Nick (Mason) y yo hicimos esto por primera vez, yo era una persona difícil de tratar, poco afectiva. Lo reconozco, pero eso cambió. No podría estar más feliz por este momento con ustedes y estos dos amigos al lado”.
Al lado, efectivamente, estaban David Gilmour y Nick Mason, otra vez juntos después de aquél 2 de julio de 2005 en el Live 8, cuando por última vez estuvo además el tecladista Rick Wright, fallecido en 2008.
Esta vez, Waters y Gilmour tocaron Comfortably numb, mientras que Nick Mason sumó pandereta a la versión de Outside the wall, el tema final de la película, con Roger en trompeta y Dave en mandolina.
Recordemos que en 1985 Waters se fué de Pink Floyd e inició juicio a sus ex-compañeros cuando se enteró que estos seguirían con el grupo sin él.
Hace unas semanas Roger admitió que si bien no se arrepiente de haberse ido de Pink Floyd, si se arrepiente de haberles iniciado juicio y de haber maltratado a Gilmour y Cia.
Noel Gallagher y Damon Albarn en 2013
La guerra Oasis-Blur es pasado. Sus comandantes en jefe, Noel Gallagher y Damon Albarn, han aprendido a respetarse y admirarse. Ya no compiten entre sí ni se lanzan agrios dardos verbales.
La simbólica firma del tratado de paz se produjo, como no podía ser de otra manera, sobre un escenario, el mítico Royal Albert Hall de Londres, el pasado 23 de marzo. Noel Gallagher y Damon Albarn interpretaron juntos uno de los últimos éxitos de Blur: ‘Tender’, toda una declaración de intenciones. La reconciliación era ya un hecho visible por todo el mundo. El mayor de los Gallagher y el líder de Blur sellaban la paz en un concierto solidario, para recoger fondos para la lucha contra el cáncer, con Paul Weller, Graham Coxon y High Flying Bird como testigos.
Pero antes de llegar a este inevitable punto de inflexión, la relación ha sido, como mínimo, de una gran violencia verbal. Noel Gallagher se empleó a fondo. “Espero que se contagien con sida y mueran”, aseguró sobre el líder de Blur y su guitarrista, Graham Coxon.
Noel, además, tenía la ayuda de su hermano Liam, al que no le ha gustado la reconciliación actual. Liam Gallagher, que no acaba de conseguir la notoriedad ansiada con ‘Beedy Eye’, ha ironizado sobre el reencuentro: “No sé qué es peor: que tomes champagne con un criminal de guerra o los coros que acabas de hacer con Blue (Blur)”. “Noel Gallagher y Damon Albarn asesinaron al brit-pop”, ha sentenciado el ex-cantante de Oasis que ha invitado a su hermano, con toda la ironía del mundo, a acercarse a otros de sus antiguos enemigos musicales: Robbie Williams.
Bonus: Vince Clarke y Martin Gore en 2012
Vince Clarke y Martin Gore, el primero ex y el segundo actual Depeche Mode, se han reunido para formar un nuevo grupo. La nueva formación ha adoptado el poco creativo nombre de VCMG que, como se puede intuir, surge de la unión de las iniciales de sus dos integrantes. De techno va la cosa.
Hace nada más y nada menos que tres décadas, Vince Clarke co-fundó Depeche Mode (del cual fué su líder creativo) y poco después acabó marchándose del grupo debido a "diferencias creativas" con sus compañeros y en 1985 terminó formando Erasure. Su lugar como principal compositor fue ocupado por su sustituto, Martin Gore. Ahora, los dos artistas han unido fuerzas y publicaron SSSS un disco "dance minimalista".
Así como de la genialidad a la pelotudez hay un solo paso de distancia (lo que para algunos son genios, para otro son idiotas y viceversa), la influencia musical y el plagio están divididos por una delgada línea.
En la historia de la música hay millones de casos de plagios o como se lo quiere llamar.
En este caso nos concentraremos en Gustavo Cerati y escucharemos de donde sacó muchas de las bases para alguno de los temas, tanto de su carrera con Soda Stereo, como en su etapa solista.
Esto, en mi caso, no desmerece para nada el laburo de Cerati, pues las canciones no son iguales, en general solo toma las bases o parte de ellas. Cerati no es el único caso en el rock argentino, sin ir mas lejos, y como ejemplo, los Redonditos de Ricota en "Masacre en el Puticlub" usan la base del tema "Wild Honey Pie" de los Beatles y le vuelven a sacar una base de guitarra en "Mariposa Pontiac / Rock del país", que es idéntica al riff de The End del disco Abbey Road de los Beatles. En el rock internacional hay millones de ejemplos, pero ese es tema para otra entrega.
Acá van algunos ejemplos, de las bases que tomó prestadas Cerati en su carrera:
Ride - Chrome Waves (1992)
La base acústica de esta ca:nción es similar a la que usó Soda Stereo en el año 1996 para la version Unplugged de Un misil en mi placar.
Electric Light Orchestra - Momma (1973) La intro y parte de la base es la misma que la de Río Babel, pero mas lenta. Río Babel el track nro 5 de Bocanada.
Traffic - John Barleycorn (1970) El arreglo de guitarra acústica es similar al utilizado en Fuerza Natural, la primer canción del ultimo disco de Cerati.
The Beatles: Rock Band es un videojuego de música desarrollado por Harmonix Music Systems. Este Juego permite a los jugadores simular la interpretación de música rock utilizando controladores en forma de instrumentos musicales. La banda sonora del juego consta de 45 canciones del popular grupo británico de rock The Beatles y cuenta con representaciones virtuales de los miembros de la banda tocando las canciones. Canciones adicionales y álbumes de The Beatles fueron puestos a disposición para el juego como contenido descargable.
El juego fue lanzado internacionalmente el 9 de septiembre de 2009, coincidiendo con el lanzamiento de las nuevas versiones remasterizadas en CD de los álbumes de The Beatles.
El juego fue desarrollado con el consentimiento y el apoyo fundamental de Apple Corps, incluyendo el de los antiguos miembros de The Beatles, Sir Paul McCartney y Ringo Starr. El hijo de George Harrison, Dhani, ayudó a disminuir las discusiones entre Harmonix y Apple Corps, mientras que Giles Martin, hijo del productor de The Beatles George Martin, aseguró que se utilizarían las versiones de alta calidad de las canciones de The Beatles.
Aunque The Beatles: Rock Band tiene como objetivo presentar visualmente y musicalmente la historia de The Beatles, el juego trata de no reproducir los períodos en que hubo conflictos entre los miembros de la banda. Por el contrario, presenta una "versión fantasía" del Album Blanco y Abbey Road para un mejor funcionamiento en los propósitos de entretenimiento del videojuego
Preparar las canciones de The Beatles para Rock Band fue un desafío técnico importante. Las canciones anteriores de la banda, fueron grabadas en dos y cuatro pistas de grabación, motivo por el cual fue necesario tener que remodelar las canciones a un formato multipista que es esencial para proporcionar reacción en los personajes. Cada uno de los cuatro instrumentos del juego necesitan tener sus propias partes, por ejemplo, cuando un jugador presiona mal una nota de la pista de la guitarra, el sonido de la guitarra de detiene temporalmente, sin afectar el de los otros instrumentos.
El equipo de desarrollo fue capaz de traer a Giles Martin como productor musical del juego. Martin creó copias digitales de todas las grabaciones originales, que ayudaron en su trabajo en The Beatles: Rock Band. Usando un software de análisis forense de audio, Martin y su equipo fueron capaces de extraer el sonido de los instrumentos mediante el aislamiento de los sonidos a cierta frecuencia con filtros digitales, asegurando así la capacidad multipista de las grabaciones originales de The Beatles.
Todas las grabaciones utilizadas son de estudio, pero en algunas se añaden efectos de audio de presentaciones en directo para crear un ambiente al estilo de un "concierto en vivo".En varios casos, el equipo optó por reestructurar un poco las terminaciones de ciertas canciones, especialmente las que se desvanecen (fade-out).
La producción artística fue hecha con la ayuda de Apple Corps, dejando a los desarrolladores de Harmonix tener acceso a su archivo privado, así como fotografías personales de los Beatles. Apple Corps puso estrictas condiciones sobre como quería que fuera el aspecto de los Beatles. Materiales fílmicos y fotográficos fueron revisados meticulosamente para reproducir los trajes que usaban en cada uno de sus conciertos, así como los instrumentos que utilizaban para las grabaciones y actuaciones en directo.
Para los movimientos de los personajes se tuvieron que hacer capturas de movimiento de bandas tributo. Dhani Harrison también ayudó con el modelado de la animación de personajes en el juego.
El equipo diseñó los lugares que representaban la historia de The Beatles para crear una atmósfera realista. Por ejemplo, el escenario de The Ed Sullivan Show fue recreado a partir de fotografías y vídeos, incluyendo una fotografía en color que fue tomada de la colección privada de Apple. El Cavern Club, el Shea Stadium, el Budokan, los Estudios Abbey Road y la azotea de Apple Corps son sitios que también aparecen en el juego. El vestuario de la década de 1960 fue investigado para aplicárselo correctamente a los diversos espectadores virtuales en estos lugares.
Para ejemplificar todo lo dicho, en primer lugar veremos el spot comercial de TV que promocionó el juego
Ahora, la intro del juego
y por último y como ejemplo de todas la animaciones del juego:
Here Come the Sun
Nota final: todos los audios multipista de las mas de 80 canciones (con Rubber Soul, Sgt Pepper's y Abbey Road completos) que integran este proyecto se pueden descargar de internet, así como también se pueden ver la totalidad de los videos en HD en youtube en la siguiente dirección:
"'39" es una canción de Queen que fue escrita e interpretada por el guitarrista y astrofísico Brian May. Fue publicada como single junto a la canción You're My Best Friend el 18 de mayo de 1976 y pertenece al aclamado disco A Night at the Opera realizado en 1975.
'39 es una canción muy peculiar en su estilo ya que mezcla el sonido country con una letra de ciencia ficción, la cual habla sobre unos voluntarios que viajan en una nave espacial en busca de nuevos mundos. Al volver a la Tierra, un año después, descubren que en ella han pasado cien años a causa de la dilatación del tiempo, que es un efecto predicho por Einstein en su famosa teoría de la relatividad. El protagonista se encuentra con que todos sus amigos y conocidos han muerto, incluida su amada esposa; entonces, al ver a su hija, ve en ella los ojos de su esposa y eso le produce mucha melancolía.
El interés de Brian May por la ciencia no era algo ocasional, algo que no muchos saben es que para el momento de publicar este tema, el guitarrista ya se había recibido de Físico y publicado dos papers. De hecho, abandonó el Doctorado en Astrofísica para dedicarse a la vida de estrella de rock junto a Freddie y hacer giras por todo el mundo...
En la última década parece haber encontrado algo de tiempo para volver a dedicarse a la ciencia. En 2006, junto a un astrónomo y un periodista científico publicó el libro ¡Bang! la historia completa del Universo. Mientras tanto siguió desarrollando su tesis, y recibió el título de Doctor en Astrofísica en 2008.
Una cosa que faltó mencionar es que Brian además de estrella de rock y astrofísico, es luthier. La guitarra eléctrica que usa en los recitales se llama Red Special y fue construída por él mismo a partir de un trozo de caoba de la chimenea de la casa de un amigo y con la ayuda de su padre que era Ingeniero Electrónico. La guitarra tiene un sonido único y el Doctor usa una moneda de cobre de seis peniques a modo de púa.
'39 - En vivo en el Earl's Court en Junio de 1977
En la versión de estudio, la canción fue interpretada por Brian May, mientras que en las presentaciones en vivo era interpretada por Freddie Mercury. Esta versión en vivo está cantada por Mercury y es levemente diferente a la publicada en el disco Live Killers de 1979.
'39 - Brian May solo en vivo en 2006
Este es el audio de una presentación de Brian May solo con su guitarra de 12 cuerdas, para un programa de televisión inglesa.
Si hiciéramos un ejercicio de relaciones musicales y empezamos con un músico o un grupo, tarde o temprano terminaríamos (valga la ironía) en el comienzo de todo.
Lo que quiero decir es, que tirando un artista cualquiera, sea cual fuere la relación que busquemos (influencias, covers, etc), con mayor o menor cantidad de eslabones en la cadena, llegaríamos al origen del genero. En este caso, el Rock & Roll.
Se pueden hacer millones de secuencias o relaciones. En este caso, por un capricho mio empezaremos por The Cure y la relación entre artista y artista son Covers.
The Cure - The World in my Eyes
En 1998 se editó un disco homenaje a Depeche Mode, llamado For the Masses.
El proyecto de grabar este álbum fue impulsado por los miembros del grupo "God Lives Underwater", aunque obtuvieron la colaboración de algunas bandas más conocidas como los Smashing Pumpkins, los Deftonesy The Cure. Por otra parte, los Foo Fighters y Marilyn Manson deseaban participar pero no pudieron hacerlo por problemas de agenda. Aunque Manson finalmente grabó en el 2004 un cover de Personal Jesus.
Depeche Mode - So Cruel
AHK-toong BAY bi Covered, es unálbum tributocomisionado por la revistaQ,como complemento de la re edición por el veinte aniversario del discoAchtung BabydeU2así como el 25 aniversario de la propia revista, publicado el25 de octubrede2011.
Es una reproducción del álbum original de 1991, salvo por una remezcla, pero con los temas interpretados por diversos grupos y músicos, algunos contemporáneos de U2, como Depeche Mode, o posteriores como Nine Inch Nails, Garbage y The Killers.
U2 - Instant Karma
Instant Karma: The Amnesty International Campaign to Save Darfur, es un álbum recopilatorio de varios artistas que interpretan canciones de John Lennon, para colaborar a la campaña internacional que pretende aliviar la crisis en Darfur. Este proyecto coincide con el proyecto "Make Some Noise" de Amnistía Internacional.
Los derechos de las canciones de John Lennon y de los derechos de autor de las compañías musicales fueron donados a Amnistía Internacional por Yōko Ono. Amnistía Internacional utilizó las canciones para comenzar la Campaña humanitaria "Make Some Noise", la cual más tarde confluyó en la campaña "Instant Karma".
Este álbum es utilizado como un impulsador de la música de John Lennon, para inspirar a las nuevas generaciones de activistas para luchar por los derechos humanos.
Este disco fue editado en 2007 y cuenta con la participación de artistas como U2, R.E.M., Lenny Kravitz y Aerosmiths entre otros.
John Lennon - You Can't Catch Me
Rock 'n' Roll es un álbum de temas clásicos del rock'n'roll de los años cincuenta y sesenta versioneados por John Lennon y publicado por Apple Records en 1975. La grabación de Rock 'n' Roll duraría cerca de un año y sus caóticas sesiones de grabación entrarían dentro de las leyendas de la música rock.
Aún sujeto a problemas legales con las agencias gubernamentales de los Estados Unidos, Lennon se enfrentaría a nuevos problemas por la demanda del jefe de Roulette Records Morris Levy. Lennon admitiría en una entrevista que el tema "Come Together" introducía tanto un estilo semejante a la canción "You Can't Catch Me", de Chuck Berry, como un verso de la composición ("Here come old flat-top"). Levy demandó a Lennon por infringir derechos de autor, pero acordó suspender la demanda si Lennon grababa al menos tres canciones publicadas por la discográfica de Levy en su siguiente trabajo después de Mind Games. Buscando en el catálogo de publicaciones musicales de Levy, Lennon encontró suficiente material de su agrado para grabar un álbum completo de versiones.
Chuck Berry - Brown Eyed Handsome Man
Charles Edward Anderson Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926), mejor conocido como Chuck Berry; es uno de los más influyentes compositores, intérpretes y guitarristas de rock and roll de la historia.
Sin duda, Chuck Berry es la máxima influencia de guitarra dentro del rock and roll.
Si bien ningún individuo puede decirse que inventó el rock and roll, Chuck Berry viene siendo el más cercano de una cifra única a ser el que puso todas las piezas esenciales juntas.
Es una figura influyente y uno de los pioneros del rock and roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como Too Much Monkey Business, Roll Over Beethoven, School Day (el tema de los Simpsons), Rock and Roll Music, Sweet Little Sixteen, Johnny B. Goode, Carol, Memphis Tenessee y You Never Can Tell (de la banda de sonido de Pulp Fiction).
La revista Rolling Stone lo presenta como el intérprete n.º 5 de toda la historia en su lista "The Immortals" superado solo por The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. La revista Rolling Stone lo cita como el sexto mejor guitarrista de todos los tiempos.
"Johnny B. Goode" su canción mas popular, es considerada la mejor canción de guitarra de la historia del rock and roll, según la revista Rolling Stone.
En este caso, escucharemos una de sus mejores canciones, aunque no una de las mas populares. Este tema tiene la particularidad de haber sido versionado en forma magistral por Paul McCartney (con David Gilmour en guitarra) en su disco de 1999 Run, devil run.
Comfortably Numb ("Cómodamente insensible"), es una canción cuya música fue creada por David Gilmour para su primer álbum como solista. Gilmour trajo el demo a las grabaciones de The Wall, y posteriormente quedaría incluida en el álbum. Waters escribió la letra.
Esta canción es considerada como una de las mejores creaciones que la banda inglesa ha realizado, ya que es frecuentemente incluida en las presentaciones que han hecho tanto Pink Floyd, como por David Gilmour y Roger Waters después del lanzamiento de The Wall.
En agosto de 2006, el solo de guitarra fue votado por los espectadores de la estación de radio Planet Rock como el mejor solo de guitarra de la historia jamás grabado.
El 29 de Junio de 1977, durante la gira In The Flesh en The Spectrum Philadelphia, Waters tuvo severos dolores estomacales previo al show. El médico que lo asistió, evidentemente interesado sólo en que Waters pudiera tocar para el show, le inyectó un relajante muscular en lugar de diagnosticar lo que realmente le estaba pasando. Waters dijo: "Estaba en Philadelphia con terribles dolores de estómago. No recuerdo exactamente cuando fue, pero este idiota dijo: "puedo lidiar con eso" y me dió algún tipo de inyección".
"Juro por dios que podría haber matado a un jodido elefante"
El médico le dijo que tenía una infección viral del estómago, cuando en realidad tenía hepatitis. Waters tocó esa noche con sus manos y cuerpos adormecidos por la medicación. "Aquellas fueron las dos horas más largas de mi vida". A pesar que pudo tocar, no debió haberlo hecho. La medicación que el médico le administró lo dejó completamente insensible. Roger lo recuerda diciendo: "¿cómo podía preocuparme del concierto si apenas podía levantar un brazo?"
las manos de Roger estaban entumecidas "como dos globos de juguete". Era incapaz de concentrarse, pero también se dio cuenta de que los fans no les importaba, porque estaban tan ocupados gritando.
El origen de la música para esta canción data de principios de 1978, cuando Gilmour estaba escribiendo canciones para su primer disco solista en los estudios Super Bear en Francia. Fue en esta época que escribió la melodía de base y los acordes."lo escribí rasgueando una pequeña guitarra en una tarde" dijo Gilmour. En ésa época la canción era solo una pieza instrumental que no usaría, siendo elegida fortuitamente para un posible futuro uso.
Demo de la canción hecho por David Gilmour
Los desacuerdos comenzaron luego de las grabaciones de las partes orquestales de la canción. Bob Ezrin había tomado la canción hacia New York y le había añadido orquesta al sonido, pero Gilmour creía que la canción sonaba mejor sólo con guitarra, bajo y batería. Waters recuerda: "Ninguno de nosotros fue a las sesiones orquestales de grabación. Fueron hechas en New York por Michael Kamen. Pensé que eran grandiosas. Dave pensó que sonaban flojas. Así que cuando Ezrin y yo fuimos a grabar las voces, Dave tomó una semana regrabando el track. Vino con una cinta de 24 canales, y Ezrin y yo realmente estábamos esperando que fuera genial, que la mejorara. Lo puso y nos miramos unos a otros, pero que sonaba horrible".
Demo de la banda cantado solo por David Gilmour
"Puedes dividir Comfortably Numb en noche y día", dijo Gilmour. "Las partes que yo canto son el día, y las de Roger son la oscuridad. Y para las partes más oscuras quería una guitarra mas rugiente, mientras que Roger y Bob querían bajo, batería y orquesta. Discutimos acaloradamente y finalmente perdí, y aún siento que estaba en lo correcto".
El clásico solo de guitarra de Gilmour al final de la canción fue editado de a partir de tomas diferentes. "Según recuerdo, fui al estudio Super Bear, realicé 5 o 6 solos, y tomamos lo mejor de cada uno", señaló Gilmour. En realidad fue James Guthrie quien compiló lo mejor de los solos en el álbum Guthrie explicó: "Gilmour tocaría algo así como 5 solos. Luego dejaríamos la sala. Los compilaría. El vendría a escuchar y diría, "sí, está bien", o pedir por cambios. Una vez decidido cual solo sería, Gilmour regresaría al estudio y trabajaría en la toma final".
Demo final, mas cercano a la versión final y con diferente letra