Entrega Nro 14 - Héroe por una vez

Ricardo Osvaldo Coleman, es un músico y compositor Argentino. Ha tocado junto a importantes artistas como Charly García, Soda Stereo y participo junto Gustavo Cerati en las producciones Ahí Vamos y Fuerza Natural. 

Vivió hasta los 6 años en Caracas, y de allí en más en Buenos Aires, lo que influyó profundamente en su cultura tan cosmopolita. Esto se percibe fácilmente en sus influencias musicales (David Bowie, Bryan Ferry, The Doors, Television), y en su look dark, el cual adoptó a partir de los '80 (una mezcla entre Robert Smith y Marc Bolan).

En 1980 Coleman formó "SIAM", su primer grupo, junto con Daniel Melero,  y Ulises Butrón, con quienes grabó algunos temas inéditos hasta la fecha. Tiempo después, a la dupla con Butrón se sumó Isabel de Sebastián y Celsa Mel Gowland formando Metrópoli, en 1982.

En 1983, Soda Stereo decidió llamarlo para ocupar el rol de segundo guitarrista con el objetivo de darle mayor fuerza al grupo. Al poco tiempo, Richard pensó que la banda no precisaba su aporte musical por hallarse bien consolidada bajo la estructura de sus tres integrantes, y decidió renunciar a su puesto en buenos términos. Posteriormente, decide también apartarse de Metrópoli para dedicarse a sus estudios universitarios.

En el año 1984, Coleman y Gustavo Cerati solían reunirse informalmente para zapar junto a los músicos Christian Basso (bajo) y Fernando Samalea (batería) en una agrupación conocida como Clap. El proyecto fue tomando forma y finalmente la banda debuta en 1985, bajo el nombre de Fricción.

Fricción grabó 2 discos y en 1989, finalmente se produjo el desastre económico en Argentina: la compañía discográfica quebró y los miembros de Fricción quedaron en la calle. La banda ya se encontraba desgastada y la separación fue inminente.

Coleman pronto comenzaría a darle forma a su nuevo proyecto y en enero de 1990, en la ciudad de Villa Gesell, nacieron Los 7 Delfines, banda con la que sigue actualmente y con la que lleva grabados 10 discos. 

Paralelamente lleva a cabo una carrera en solitario, la cual se da inicio con el lanzamiento de su primer disco solista Siberia Country Club, que cuenta con la producción de Tweety Gonzales y con Gustavo Cerati poniendo su guitarra en Normal (esta fue una de sus últimas contribuciones musicales antes del ACV).

De su debut solista, Siberia Country Club, escucharemos 4 canciones:

Normal (con Gustavo Cerati en guitarra principal)

Hamacándote

Turbio Elixir

Casa de Papel

Edición Especial - Caminando por el lado salvaje

Lou Reed (1942 - 2013)

Entrega Nro 13 - El Maquinista

Si alguien podía ser capaz de afinar dulcemente cada una de las notas que emite un tren de baja velocidad, de esos que hacen ruido cuando arrancan, cuando frenan, y mantenerlo aun bien sintonizado mientras el tren descarrila y vuelve a encarrilarse, no podía ser otro que Trent Reznor, maquinista del poderoso carguero Nine Inch Nails.

Michael Trent Reznor nació en Pensilvania, Estados Unidos, el 17 de mayo de 1965 y es un músico, compositor, productor y multiinstrumentista. Trabaja en el estudio con el nombre de Nine Inch Nails, y está considerado como una de las figuras creativas más aclamadas de su generación musical.

El trabajo de Reznor como Nine Inch Nails ha influido a muchos nuevos artistas, que según el mismo Reznor van desde "imitaciones genéricas" provenientes de la época de primeros éxitos de la banda hasta bandas más jóvenes haciéndose eco de su estilo "de una forma más real, menos imitativa". Artistas de primer nivel se hicieron eco de la influencia de NIN: David Bowie comparó el impacto de NIN con el de The Velvet Underground en su momento. En 1997, Reznor apareció en la lista de gente más influyente del año elaborada por la revista Time, y la revista Spin le describió como "el artista más vital de la industria musical". Bob Ezrin,productor de Pink Floyd, Kiss, Alice Cooper y Peter Gabriel, describió a Reznor en 2007 como "un verdadero visionario" aconsejando a los artistas noveles que tomaran nota de su actitud de no comprometerse.

En 2010 Reznor, en colaboración con Atticus Ross, compuso la música de The Social Network, una película del director David Fincher sobre la fundación de Facebook. El dúo ganó el Globo de Oro y posteriormente el Oscar a mejor banda sonora en 2011.

En esta ocasión escucharemos a Reznor como productor para poder percibir como le da su impronta a temas de otros artistas.

"Immigrant Song" es un clásico del tercer disco de Led Zeppelin, del año 1970. 
Este es el primer sencillo de la banda sonora de la cinta The Girl With the Dragon Tattoo, realizada por Trent Reznor, y Atticus Ross, quienes reclutaron para esta canción en específico a la vocalista de los Yeah Yeah Yeahs, Karen O.

 

"I'm Afraid of Americans" es una canción del disco Earthling de David Bowie, co-escrita con Brian Eno y que salió como simple en 1995. En la gira de este disco Bowie tenia como teloneros a Nine Inch Nails y Reznor subía a tocar con Bowie esta canción en vivo.

Entrega Nro 12 - La canción perfecta II

Si la primera entrega de "La canción perfecta" fue con un tema de John Lennon, la secuela debe ser con su amigo y archi-rival Paul McCartney (y canciones para esta sección no le faltan).

La canción que elegí para esta ocasión es, quizás una de sus mejores composiciones, "Maybe I'm Amazed".

Lanzada por primera vez en su álbum McCartney el 17 de abril de 1970. Aunque la versión de estudio del álbum nunca fue lanzada como sencillo. Originalmente, Paul le dedicó la canción a su esposa, Linda, quien lo acompañó luego de la ruptura de The Beatles.

La versión original de estudio de la canción terminaba progresivamente en lugar de un final completo, pero McCartney decidió componer un final que pudiese interpretar en las versiones en vivo de la canción. El 4 de febrero de 1977, fue lanzada una versión en vivo de la canción del álbum de 1976 Wings over America, de la banda de McCartney Wings, y se convirtió en un éxito en los Estados Unidos llegando al décimo puesto en los principales rankings del país. 

Siendo catalogada como una de las mejores canciones de amor de McCartney, alcanzó el puesto n.º 338 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos publicada por la revista Rolling Stone en noviembre de 2004, y es la única canción de McCartney como solista que forma parte de la lista.

Primero, a mi juicio, la mejor de las versiones editadas de este tema, que salió como simple en 1976 y que está extraída del disco en vivo Wings over America.

Como yapa (y fuera de programa), vamos a escuchar la versión original, extraída del LP McCartney, pero con la particularidad que aca está desglosada en los 4 canales en los que fue grabada. Para una mejor experiencia, abrir los 4 archivos en un proyecto de audacity (programa free), para poder jugar con silenciar y resaltar canales para escuchar los detalles.

Voz

Guitarra

Piano y teclado

Bajo y batería

Entrega Nro 11 - El disco Perfecto - Un cambio radical

"Sea Change",  es el octavo álbum de estudio del músico estadounidense Beck, lanzado el 24 de septiembre de 2002 y contó con la producción de Nigel Godrich (el histórico productor de Radiohead). El álbum contiene canciones de estilo experimental y se destaca por el empleo de violines y violonchelos, y de un estilo más lento que las canciones de discos anteriores. Las letras irónicas fueron reemplazadas por letras con contenido más sincero. En las entrevistas, Beck citó la ruptura con su novia de mucho tiempo, como la mayor influencia en el álbum.

El álbum recibió elogios de la crítica, con varios comentarios calificándolo como la "obra magna" de Beck, que ha seguido creciendo en estatura desde su lanzamiento, con la inclusión en listas de "mejores de la década" y "lo mejor de todos los tiempos". Los críticos elogiaron el cambio de un estilo experimental a uno simple y emocional.

Al término de la gira de su anterior trabajo, Midnite Vultures (1999), Beck y su novia desde hacia ya nueve años, la estilista Leigh Limon, terminaron su relación. Beck, tres semanas antes de cumplir 30 años, descubrió que Limon le había engañando con un miembro de la banda de Los Ángeles, Whiskey Biscuit. Beck cayó en un período de melancolía e introspección, durante los cuales escribió las pistas sombrías, basado en la acústica más tarde encontradas en Sea Change. Escribió la mayoría de las 12 canciones en una semana, pero luego las dejo de lado. Después de un tiempo, decide grabarlas.

Sea Change es la forma más hermosa de componer un corazón roto, alejar los fantasmas y reinventarse a partir de una experiencia dolorosa. Es la experiencia del dolor pariendo belleza y sanación, es la experiencia mística del artista comprometido con el arte y la vida. Sea Change es un mar que nos recorre por dentro, erizándonos la piel, entre el llanto y la desnudez. Con esta producción Beck rompió esquemas de sus anteriores producciones, para pasar de las estructuras intelectuales y experimentales a la delicada línea de lo personal, del sentimiento palpable, de los sufrimientos no compartidos, las letras se tornan directas pero con ese manejo oportuno para alejarlo de lo lastimero, al fin y al cabo el intelecto y talento lo levantan para dejar un disco excelente, minimalista, orgánico, directo, con sonidos que se pierden en el viento y se conservan en los recuerdos.

Es muy dificil elegir un par de canciones como muestra, ya que este disco, a pesar de no se estrictamente conceptual, debe escucharse entero y en el mismo orden en el que fué concebido. A pesar de ello, seleccioné estas 4 canciones, que espero, despierten la curiosidad por descubrir esta "obra de arte", probablemente el mejor disco de este nuevo milenio.

Lost Cause



Little One



The Golden Age



Lonesome Tears

Edición Especial - El AMOR al Circo

Love es un álbum, ganador del premio Grammy, que contiene un remix de los temas más conocidos de The Beatles y es la banda sonora del show del Cirque du Soleil con el mismo nombre. Fue publicado el 20 de noviembre de 2006 y producido por Sir George Martin, y su hijo Giles.

A George Harrison le gustaba el circo canadiense "Cirque du Soleil"; en vida mantuvo una buena relación personal y profesional con el fundador del espectáculo, Guy Laliberte. Antes de morir llegó a un acuerdo con el resto de Los Beatles, Paul McCartney y Ringo Starr, además de Yoko Ono, para montar un show para el circo en que el centro no fuera la vida de Los Beatles sino los abigarrados personajes que los músicos crearon a lo largo de su discografía.

Para este proyecto la empresa Apple, junto a Cirque du Soleil, encargaron a Sir George Martín retomar el papel de productor. 

El proyecto Love tomó 2 años, en que George Martin trabajó junto a su hijo Giles como ingenieros de sonido, y en él se utilizó únicamente material original de Los Beatles. Este proyecto sería la primera grabación de Los Beatles realizada originalmente con la tecnología DTS 5.1. Sería también la primera incursión de los Beatles en el teatro, medio que siempre interesó a los músicos, pero en el que nunca pudieron trabajar.

Para el mezclado y edición se utilizaron similares técnicas que empleó el quinteto (Lennon, Harrison, Starr, McCartney y Martin) en su creaciones, actualizadas con los medios actuales. Ejemplo de esto es el tema "Gnik Nus" que es el tema "Sun King" del álbum Abbey Road tocado al revés.

Cada tema ha sido mezclado incorporando partes de otros temas; en algunos se han doblado pasajes a fin de crear algún ambiente o atmósfera, en otros se han ralentizado o acelerado las voces, también se encuentran trozos que se alargan en el tiempo, en especial las transiciones entre un tema y otro, parte necesaria en presentaciones en vivo en que se pasa de una temática a otra y es necesario cambiar los escenarios.

La versión en 5 canales DTS permite apreciar matices que se pierden en las mezclas de 2 canales o stereo.

En este caso vamos a escuchar 2 canciones, las cuales no quedaron en la versión original del CD lanzado en 2006, sino que fueron editadas exclusivamente para la edición itunes de 2011.

The Fool On the Hill (Love Version)

La pista comienza con el sitar de "Within You Without You" acompañado del bajo de "Because" y el piano de "The Fool On the Hill" extracto directo de la colección Anthology, en el coro vocal, acompaña a la canción el coro vocal de "Mother Nature's Son". Además, en el primer coro instrumental la canción va acompañada de un extracto de piano de "Dear Prudence", también se escuchan elementos de percusión de "Maxwell's Silver Hammer" y amplifica la guitarra tocada por John Lennon y la percusión de Ringo Starr.

Girl (Love Version)

En esta canción se agregan el sitar de "Within You Without You", extractos de guitarra de "And I Love Her" y elementos de percusión de "Being for the Benefit of Mr. Kite!" y "Nowhere Man", también se amplía el último coro.

Entrega Nro 10 - Los orígenes de la oscuridad

Para mediados de los años 70, la ciudad de Manchester (noroeste de Inglaterra) era poco menos que un rincón olvidado del viejo mundo. Una ola de desempleo, escombros y deshechos de fábricas era el paisaje cotidiano de una ciudad que alguna vez fuera la cuna de la revolución industrial. La noche del 4 de junio de 1976 ese escenario hostil fue la sede de un evento histórico en la cultura del último tramo del siglo XX: la presentación de los Sex Pistols en el “Lesser Free Trade Hall” ante una juventud nihilista y desencantada que veía en el ruido y la provocación del punk, no sólo un escape, sino, además la posibilidad (acaso muy remota) de lograr la fama, salir de la ciudad y dejar, de una vez, las penurias económicas. Bernard Summer, Peter Hook y Terry Mason, eran chicos de esa clase que en ese mismo instante decidieron formar una banda, cambiando esa noche, la historia de la música para siempre. La misteriosa figura de Ian Curtis, apareció como el ingrediente vital, había respondido al anuncio que pusieran Summer y compañía buscando vocalista. Vestía de cuero, llevaba escrito “Odio” en la espalda, admiraba a Iggy Pop, David Bowie, Jim Morrison; leía a J.G Ballard, William Burroughs, Kafka, Dostoievsky y Sartre; sin embargo, era muy distinto al prototipo del héroe punk, Curtis era intelectual, educado, conversador. Lo habían conocido de un concierto de The Clash, estaba casado desde los 19 años y era un escritor compulsivo, con la pasión de ser una estrella pop por un lado, y un poeta maldito por otro. Toda Europa vivía con un trauma latente por lo que había sido la II Guerra Mundial y ello, de alguna manera, causó esa fijación estética que se reflejó en el nombre definitivo de la banda: Joy Division, tomado del libro “House of Dolls” que trataba sobre los burdeles en los campos de concentración. Los ensayos se realizaban en una fábrica abandonada donde Curtis y su novel agrupación quemaban basura en un rincón para calentarse. 

Una faceta de su expresividad: Curtis trabajaba en el centro de invalidez, ayudando a discapacitados a conseguir empleo, cuando presenció el ataque epiléptico de una chica. Pero como si se tratara de una broma cruel, una noche mientras viajaba en auto con la banda, él mismo fue presa de un ataque, le diagnosticaron epilepsia y ya nada fue lo mismo. Las presentaciones en vivo incluían bailes convulsivos y estados de trance que maravillaban a la audiencia pero agotaban el maltrecho cuerpo del poeta. El último álbum, “Closer”, fue el resultado de ese sufrimiento, las letras reflejan angustia y un halo fúnebre que fue el preludio de la tragedia que vendría el 18 de mayo de 1980. A los 23 años, Ian Curtis se había suicidado. Tenía problemas en su matrimonio, mantenía un “affair” con Annik Honoré (periodista belga). Dicho triángulo fue la inspiración de “Love Will Tea R Us Apart”, la canción más exitosa de la banda. 

New Order, surgió de las cenizas del grupo, pero el espíritu revolucionario y sombrío de Joy Division, sus letras brutales y el alma de poeta de su líder son testimonios de su inmortalidad. Hoy en día, la música popular y peor aún, la poesía de nuestra realidad, están contaminadas de clichés patéticos. La lírica de Joy división, honesta, existencial y cruda, parece mostrarnos el camino justo hacia las regiones sublimes del verdadero arte. La sombra de Ian Curtis se proyecta solemne y altiva desde esas alturas silenciosas donde reina el reposo absoluto.

Como muestra, van 2 de sus mas famosas canciones.

"Transmission" fue lanzado por Factory Records en noviembre de 1979 y en mayo de 2007 la revista NME ubico a "Transmission" en el número 20 en su lista de los 50 mejores himnos de la música indie,¹un lugar por debajo de "Love Will Tear Us Apart".

"Love Will Tear Us Apart". Según se dice, la letra de la canción sería autobiográfica, y estaría basada en el matrimonio fallido de Ian Curtis con su esposa Deborah y la creciente relación del mismo con una chica belga, que era seguidora de la banda.¹ Así como bien podría funcionar como una visión del estado emocional y mental de Ian Curtis en el tiempo previo a su suicidio.

Después del suicidio de Curtis, "Love Will Tear Us Apart" se convirtió en el único sencillo exitoso de la banda, llegando al puesto número 13 de los charts británicos. La banda se separó después de la muerte de Curtis y los miembros restantes formaron New Order.

Dato Interesante: en 2007, Anton Corbijn (fotógrafo de la banda y director de la mayoría de los videos de Depeche Mode) dirigió la pelicula "Control", que cuenta la historia de Ian Curtis y está basado en las memorias Touching from a Distance escritas por Deborah Curtis, mujer y viuda del artista. La pelicula es altamente recomendable.