martes, 27 de mayo de 2014

Entrega Nro 44 - El club de los 27

Este es un club muy selecto de famosos que está abierto las 24 horas del día, no tiene portero que impida la entrada y tampoco se debe pagar consumo mínimo. 

En el siglo pasado se pudo notar una tendencia bastante curiosa, y es que ciertas estrellas o iconos musicales terminaban su vida abruptamente a los 27 años. 

Aunque en la industria de la música, y del rock específicamente, el auge y caída de las estrellas es intermitente debido al abuso de drogas y el alcohol; no deja de ser llamativo que muchos cantantes famosos hayan dejado este mundo a esa edad. Más curioso aún es el hecho de que la mayoría de ellos se encontraba en la cima de sus carreras. 

Los integrantes de la lista

Robert Johnson (1911-1938)

Es al que se le podría considerar el fundador del "Club de los 27". El abuelo del rock & roll lo llamaban algunos, o el rey del delta blues. Este talentoso guitarrista y cantautor quien a pesar de contar con pocas canciones en su repertorio, fue un gran músico de blues que influencio a otros de la talla de John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Queen, The White Stripes, Neil Young, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama El más importante músico de Blues que haya vivido

Cuenta la leyenda urbana que le vendió su alma al diablo a cambio de ser el mejor guitarrista del blues (esto da pie para otra nota al respecto). Según la versión de uno de sus amigos, alguien le ofreció una botella de whisky, al parecer envenenado. Se presume que pudo haber sido el propietario del local en el que se encontraba, como venganza por un asunto de faldas. 




Brian Jones (1942-1969)

Tuvo una vida bastante acelerada, y a los 17 años ya tenía su primer hijo con su novia de 14 años. Poco después dejó embarazada una mujer casada con la que se acostó solamente una noche, y luego, a los 19 años otra de sus novias le daba su tercer hijo en 1961. En mayo de 1962 puso un anuncio en una revista solicitando músicos y poco después fundaba los Rolling Stones.

Él era el jefe de la banda, quien los manejaba y quien se quedaba con la mayor parte del dinero, además era quien se alojaba en los mejores hoteles cuando iniciaron sus primeras giras en 1963. Brian Jones siempre abuso de las drogas y el alcohol, y sus excesos públicos hicieron que la policía británica no le quitara los ojos de encima, lo que le costó varios arrestos, unos por escándalos y otros por tenencia ilegal. Esta fue la causa por la que no pudo sacar su visa para los Estados Unidos y no pudo acompañar a la banda en su primera gira por ese país. 

Brian Jones era el más experimental de los Stones, el que tocaba instrumentos raros para el rock: la mandolina, la cítara hindú, el dulcimer, la marimba, el melotrón, el arpa o las campanas tubulares. Era también el más descontrolado, y el que se aburrió más rápido de la banda. Cuando Mick Jagger, Keith Richards y Charlie Watts fueron a decirle que el grupo ya no podía seguir trabajando con él, esperaban una discusión larga pero Jones no se molestó. 

"Sí, quiero ser famoso. Y no, no quiero cumplir treinta años".


Jimi Hendrix (1942-1970)

Nació en 1942, y para 1965 ya era considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia del Rock. Se podría decir que él sí pudo disfrutar de su fama, ya que su música lo llevó por Europa y por todo los Estados Unidos. 

Jimmy era famoso por ingerir explosivos cóctel es mezclando alcohol, cocaína, heroína y lo que tenía a mano. Estas mezclas lo ponían especialmente violento, y se registraron agresiones a su novia, al bajista de su banda, así como destrozos en una habitación de hotel en Estocolmo. Hubo ocasiones en las que llegó desmayarse o simplemente abandonaba el escenario incapaz de tocar una nota más. Cuando esto pasaba, solía decir a su público: 

"Esto es lo que pasa cuando la tierra se coge a la galaxia...

Falleció ahogado con su propio vomito causado por ingesta de varias drogas. Inspiración para muchos guitarristas a través de la historia, con un estilo único e inigualable.


Janis Joplin (1943-1970)

Janis Joplin, de quien se ha hablado mucho acerca de su abuso de las drogas, que bebía litros de Southern Comfort, un fortísimo whisky de cereal, y sobre su adicción al sexo. Lo cierto es cuando le llegó la fama no pudo disfrutar mucho de ella. 

Durante las sesiones de grabación del disco “Pearl” en 1970 ya se veía a una Janis demacrada y con una constante resaca, ya que después de acabar las grabaciones por la mañana, por las tardes se dedicaba a consumir drogas y alcohol, todos los días. El productor del disco, Paul Rothchild, era también el productor de los Doors y tan solo un año después vería repetirse la misma historia con Jim Morrison

El Domingo, 4 de octubre, Janis faltaba a una sesión de grabación y Rothchild preocupado, envió a uno de los miembros de la banda a buscarla. La encontraron muerta junto a la cama con indicios de haber caído inconsciente golpeándose la cabeza con la mesita de noche. La causa oficial, sobredosis de heroína y alcohol. 


Jim Morrison (1943-1971)

Frontman de los Doors, este extraordinario vocalista fue quien introdujo toda la rebeldía y el hecho de que el portarse mal fuera bien visto en el mundo del rock. Los críticos en un principio lo difamaron y después de su muerte lo adoraron y amaron. Fue un poeta con una extraordinaria voz y unas letras que dejaban en claro su forma de pensar sobre varios temas. 

Jamás se sabrá que le pasó al Rey Lagarto, quien fue encontrado muerto en el baño de su casa. Hay quienes hablan de sobre dosis de heroína, droga a la que no era muy afecto, otros dicen que el lo planeo todo para desaparecer.



Peter Ham (1947 - 1975)

Quizás, el caso mas triste del club de los 27. 

Peter Ham era el vocalista de Badfinger, uno de los grupos lanzados por el sello Apple de los Beatles. Con este sello sólo publicaron un disco que se convirtió en todo un éxito tras lanzar un single en 1970 que contenía un tema escrito por Paul McCartney, Come And Get It

La agrupación decidió cambiar de casa disquera y firmó un contrato con Warner. El manager del grupo había recibido de la Warner $100000 como adelanto para el tercer disco, pero se escapó con el dinero. 

Peter Ham acaba de comprar una casa y su mujer estaba esperando un hijo. Se suicidó desesperado por las deudas, ahorcándose en el garaje. Tenía 27 años. 


Kurt Cobain (1967-1994)

Cobain fue encontrado el 8 de Abril, en su casa de Lake Washington, se había pegado un tiro en la cabeza con una escopeta y según la versión oficial, llevaba muerto 3 días, junto a una errática carta de suicidio. 

Kurt Cobain nació en 1967 y llegó a convertirse en el representante de la Generación X. En 1992 intentó rehabilitarse en una clínica, pero en 1993 su mujer tuvo que reanimarlo con una inyección de naloxona justo antes de un concierto, debido a una sobredosis. En 1994 ingresó en otro centro de rehabilitación pero el 30 de Marzo se fugó saltando una valla. Cogió un taxi y se subió a un avión camino de Seattle

Cobain fué el hombre que le regalo a toda una generación de adolescentes un himno (Smells Like Teen Spirit). 
Hay gente que puede lidiar con la fama hay quienes no, desafortunadamente Cobain no pudo lidiar con ella.



Shannon Hoon (1967 - 1995)

Casi nadie menciona en este club al líder de la banda de alt-rock Blind Melon, murió por una sobredosis de cocaína el 21 de octubre de 1995. Solo editaron dos discos, el de debut de título homónimo, publicado en 1992, y Soap (1995). Precisamente en la gira de presentación de este trabajo, con el cantante en fase todavía de rehabilitación, fue cuando se produjo el suceso luctuoso. Fue tras un mal concierto de Houston, Shanoon Hoon fue encontrado inerte por sus compañeros al día siguiente en el autobús de la gira.


Amy Winehouse  (1983 - 2011)

Tal vez la casualidad o el reflejo de un estilo de vida desmedido, pero el  club de los 27 creció con la muerte de Amy Winehouse, una cantante, con una carrera que prometía mucho.

La cantante había tenido una vida colmada de excesos de alcohol y drogas, junto con reiteradas visitas a rehabilitación, a pesar de esto su situación no parecía mejorar. La muerte la sorprendió a la edad de 27 años en su departamento de Londres, según la autopsia, la cantante había ingerido grandes cantidades de alcohol.

martes, 20 de mayo de 2014

Entrega Nro 43 - La Competencia

En esta entrega la idea será mostrar la competencia entre artistas como motor creativo. 
En estos años, la competencia se ve sólo en las revistas de chimentos que publican insultos o dichos entre un músico y otro y las ideas se copian de alguno, que con ellas, puedan generar algún rédito económico. Pero no todo fue así siempre, hubo ejemplos de gente que tomaba ideas de otros para tratar de superarlas y generar cosas nuevas.
Estas 2 historias reflejan esta búsqueda.

Historia N°1 - The Beatles Vs The Beach Boys

En casi cualquier lista sobre los mejores discos de la historia se repiten los dos primeros lugares: el Sgt. Pepper's de los Beatles, y el Pet Sounds de The Beach Boys. Lo cierto es que ambos discos cambiaron radicalmente la forma de entender el pop, y es justo recordar que el primero en hacerlo fue el Pet Sounds. Repasemos la historia:

The Beach Boys era un grupo estadounidense de gran éxito que confeccionaba temas sencillos y pegadizos con unas cuidadas armonías vocales. 
En 1966, los Chicos de la Playa ya coleccionaban una buena cantidad de éxitos, con canciones hedonistas sobre chicas, sol y playas californianas, pero el genial, y mentalmente no muy equilibrado líder de la banda, Brian Wilson, no estaba contento del resultado general de su trabajo. Hay que recordar que en aquellos tiempos los LPs de música popular se confeccionaban a partir de una corta serie de singles de éxito al que se le adjuntaba material de relleno en muchos casos desechable sin ningún criterio de calidad musical.

Entonces, The Beatles presenta Rubber Soul, un disco en el que por primera vez (aunque más por la enorme calidad compositiva del dúo Lennon/McCartney que por decisión meditada) se rompe con esa forma y publican un disco homogéneo, una excelente colección de canciones con un hilo estilístico común. Wilson se maravilla con este concepto, y decide que quiere hacer algo así y al mismo tiempo superar a los intocables Beatles; de hecho, lleva a cabo un esfuerzo titánico para alcanzar la absoluta perfección.

Así nace uno de los discos más ambiciosos de la historia, Pet Sounds, un disco que literalmente cambió la historia de la música. Brian Wilson rizó el rizo, se olvidó de la clásica conjunción guitarra-bajo-batería y compuso una colección de temas con sus clásicas armonías vocales, mejores y más complejas que nunca hasta entonces, arropadas por exquisitas orquestaciones a base de todo tipo de secciones de cuerda y de viento y multitud de instrumentos como oboes, trombones, órganos, un tannerin, mandolinas, clavicordios, así como curiosos sonidos como timbres de bicicleta, ladridos, silbatos, botellas de coca-cola, etc. El resultado fue original, novedoso y sobre todo sobresaliente, con algunos de los más bellos temas pop que se hayan compuesto jamás, como Wouldn't it be nice, I'm waiting for the day, I know there's an answer, Caroline No, ó God only knows, tema del que el propio Paul McCartney dijo que era la mejor canción que había escuchado jamás.

Pet Sounds fue grabado en sonido mono (debido a la sordera de un oído de Wilson como resultado de un accidente de infancia, no podía captar el sentido de sus propias composiciones si las grababa de otra forma), y con la utilización de más de cincuenta músicos profesionales (las innovadoras orquestaciones así lo requerían).

Se cuenta que cuando The Beatles escucharon Pet Sounds por primera vez se preguntaron aterrados "¿Cómo vamos a superar ésto?". Su respuesta fue Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, y también se cuenta que cuando Brian Wilson lo escuchó casi enloqueció al comprender que todo su esfuerzo, su búsqueda del disco perfecto, había sido superado. Intentaría volver a superar a los Fab Four componiendo un disco insuperable, el resultado de la búsqueda de la perfección, algo que era imposible y que terminó por desquiciarlo. Cuarenta años más tarde ese imposible segundo intento pudo escucharse por fin: Smile.


God only knows de Pet Sounds- The Beach Boys (1966)



A day in the Life de Sgt. Peppers- The Beatles (1967)



Historia N°2 - The Who Vs The Beatles

Helter Skelter nació en la mente de Paul McCartney luego de leer un articulo que el famoso periodista musical de Melody Maker, Chris Welch, publicó en Guitar Player Magazine donde afirmaba que la canción "I can see for miles" de la agrupación inglesa The Who era "el rock más ruidoso, crudo y sucio de todos los tiempos". 


McCartney se tomaría esta descripción como un reto y sin pensarlo un segundo se dispuso a componer una canción más ruidosa, más cruda y más sucia para incluirla en el ahora mítico Álbum Blanco de The Beatles

Y no se descarta la posibilidad de que también surgiera por el afán de Mccartney por mostrar que no era solo el mas suave, blando o tierno de la banda. 

Por el sonido agresivo que lograron se la considera un precedente de estilos posteriores, el primer ladrillo en el muro del heavy metal o el punk rock entre otros y varios críticos la denominaron "el tema de rock más feroz y brutal escuchado jamás". Su nombre original era "Heather Leather". 

Helter Skelter se ha convertido en una de las grabaciones míticas de los Beatles a lo largo de los años. La canción mantiene el récord por ser la grabación más larga realizada por los The Beatles, exactamente 27:35 minutos en una toma que hasta el día de hoy se mantiene guardada. 

La palabra helter-skelter que proviene del inglés, significa descontrol o precipitación pero también es como denominan a un tobogán típico de las ferias inglesas, compuesto por una torre rodeada por un tobogán en forma de espiral. 

Paul McCartney afirma que tomó el tobogán como símbolo de "el viaje que se hace desde la cima hasta el fondo -la cima y la caída del imperio- y esta es la caída, el fallecimiento". 

Un dato curioso es que McCartney nunca escuchó el tema original de The Who, ni antes, ni luego de componer Helter Skelter.


I Can See for Miles - The Who (1967)



Helter Skelter - The Beatles (1968)


martes, 13 de mayo de 2014

Entrega Nro 42 - La Eterna Mapu

María Gabriela Epumer, nació el 1° de agosto de 1963 en Villa Devoto, Capital Federal.
Entre los 9 y 10 años María toma contacto con su primer guitarra. Su hermano un eximio guitarrista de trayectoria conocida puso a su alcance el instrumento. No lo hizo adrede, solo que como él tenia en la casa varias guitarras para su uso personal su hermana tomo una de ellas e intento imitarlo. A partir de allí y en poco tiempo Lito (el hermano) vio que tenia aptitudes para tocar y hablo con su madre, aconsejándole que la mande a estudiar. Y así comenzaron sus estudios de guitarra clásica, junto a los de danza. Con el tiempo se inclinaría mas por la música.

En lengua Ranquél, Epumer significa "dos zorros" y en la tribu mantenían la tradición de bautizarse según el animal al que cada familia adoraba. Su tatarabuelo fue el cacique Epumer, un tipo escurridizo al que nadie podía encontrar. Era como un zorro: imposible de cazar.

Con 17 años, forma parte de la banda de María Rosa Yorio, luego arma una banda de chicas que cantaban en inglés, llamada "Rouge". Mas tarde, y con algunos cambios de integrantes, se transforman en Viudas e hijas de roque en roll.

El primer disco de la Viudas llega a vender 120.000 copias, llenando el estadio "Luna Park" con 12.000 personas.
Con sus dos siguientes trabajos la banda alcanza niveles mas profesionales pero al quebrar el sello discográfico Interdisc, se quedan sin cobrar las regalías de sus últimos trabajos. Aun sin apoyo del sello por la quiebra, su ultimo disco vendió 50.000 copias. Pero no podrían volver a grabar con ese nombre ya que la compañía no liberó su contrato, pese al intento de varios abogados, nunca lograron sacarle a Interdisc su libertad.

En 1989, forma parte de "Maleta de Loca", un dúo con una de las integrantes de la Viudas. Luego se une a la banda de Celeste Carballo, hace coros para el disco del Flaco Spinetta, "Peluson of Milk", y en 1993 forma un grupo llamado "Las Chicas", que no llega a grabar ningún disco.

A partir de 1995 se convierte en la guitarrista de la banda de Charly García y lo acompaña en todas sus presentaciones en forma ininterrumpida dentro y fuera del país, incluyendo la breve reunión de "Sui Generis", y todos los discos que grabo durante ese periodo Charly.

A partir de octubre de 1995 comienza a tocar en lugares chicos con su propio grupo denominado "A1" y lanza su primer disco solista "Señorita Corazón". 

Su música toma vuelo propio y se lanza a su carrera solista que deja cuatro registros.

Tal como el apellido Epumer definía a su abuelo como escurridizo, esto mismo parece aplicarse a la vida artística y personal de Gabriela. Quien solo en la ultima etapa de su vida tuvo aparición en los medios por temas alejados a lo estrictamente musical. El resto de su vida siempre fue un misterio, su timidez nunca permitió conocer mucho de su mundo interno. Para ello hay que recurrir a su música. La cual puede parecer un poco críptica, pero denota un estilo personal y coherente a su fanatismo por Robert Fripp. Un músico para nada fácil de seguir, del cual supo ser alumna. 

María Gabriela Epumer falleció a los 39 años de edad, el lunes 30 de Junio de 2003.

Es probable que lo que más golpeo de su muerte a los medios y el público en general, es que si bien su música siempre había estado al alcance de todos, nunca alcanzó el reconocimiento y difusión que su obra merecía, tanto sea por los medios especializados como así también los masivos. Nuestra sociedad conservara, una deuda de reconocimiento artístico hacia su persona y su arte.
Desde este pequeño rincón, trataremos de hacer justicia a su legado.

Fuga (Con Richard Coleman)




Bonus tracks de covers

No te animas a despegar (de Charly García)


Ah! Te vi entre las luces (de La Máquina de Hacer Pájaros)


Canción para los dias de la vida (de L.A. Spinetta)

Cancion para los Dias de la Vida by Maria Gabriela Epumer on Grooveshark

martes, 6 de mayo de 2014

Entrega Nro 41 - La Canción Perfecta IV

En esta ocasión, la canción que nos ocupa es un tema de 1972, incluido el en el primer disco de Pescado Rabioso "Desatormentandonos" y Compuesta por Luis Alberto SpinettaBlack Amaya y Osvaldo Frascino.

"Dulce 3 nocturno" es el tercer tema (último del lado A en el disco de vinilo original) del álbum. Se trata de un tema acústico y relajado, con complejos arreglos para tres voces, que contrasta con los demás temas del álbum.
Spinetta ha dicho que es un tema muy significativo, fundador de Pescado Rabioso y que el número tres del nombre, es por ellos tres, pues la canción fue escrita de noche, iluminados por una vela en una quinta donde ensayaban.
Está interpretado con dos guitarras (Frascino y Spinetta) y los platillos eléctricos de la batería, interpretados por Amaya de modo de generar un clima oceánico.

Sin mas, escucharemos 3 versiones del tema, la original y dos versiones maravillosas.

Pescado Rabioso - del disco Desatormentandonos (1972)

Dulce 3 nocturno by Pescado Rabioso on Grooveshark



Man Ray - del disco Aseguebu (1995)

Dulce tres nocturno by Man Ray on Grooveshark

Pedro Aznar - del disco Puentes Amarillos (2012)

Dulce Tres Nocturno by Pedro Aznar on Grooveshark